Оперная реформа глюка орфей и эвридика. Блаженная тень, хор

Миф об Орфее и Эвридике – история о всепобеждающей силе музыки, перед которой бессильна даже смерть – занимает особое место в истории оперного жанра. Это не просто сюжет, ставший основой множества произведений – к нему обратились два композитора, один из которых создал оперу, а другой спас ее. Первым был Джакопо Пери, вторым – .

Надпись под бюстом композитора, установленного в фойе Парижской оперы, гласит: «Он муз поставил над сиренами». И действительно, трудно точнее определить то, что сделал Глюк в опере. В то время, когда он жил и творил, в опере действительно властвовали «сирены» – примадонны, демонстрировавшие вокальную виртуозность, иной раз в ущерб драматургии. Но не только это стало причиной кризиса оперы-seria: сформировавшись как жанр в рамках барокко с его аллегоричностью и преувеличенной изысканностью, она переставала удовлетворять публику в эпоху Просвещения. Суть проблемы особенно отчетливо выступает в трудах философов-просветителей – например, Жан-Жак Руссо призывал вернуться к простоте и откровенно насмехался над оперой, где «боги танцуют, черти танцуют… танцуют даже вокруг могил». У оперы-seria уже появился сильный конкурент в лице комической оперы. В таких условиях реформа Глюка стала для жанра спасением, обеспечив выживание оперы-seria и развитие в новых условиях.

Основные положения своей оперной реформы композитор сформулировал в предисловии к опере «Альцеста», но на практике они были применены несколькими годами раньше – в опере «Орфей и Эвридика», созданной в 1762 г. на либретто Раньери де Кальцабиджи. Первым положением было требование возвышенных идей, которыми должна быть проникнута опера; применительно к «Орфею» – это подвиг во имя любви. С идейной насыщенностью связан даже счастливый конец, отсутствующий в мифе – это вовсе не было уступкой вкусам современной автору публики. Оперы с трагическими финалами тогда тоже создавались, и их было не так уж мало. Но счастливая развязка осмысливалась особым образом – например, в трактате монаха Антонио Планелли «Об опере» она трактовалась как символ превосходства цивилизации и христианской морали над жестокостью и воинственностью языческой Греции. Для Глюка же финальное появление Амура и счастливый конец истории Орфея и Эвридики становится естественным выражением главной идеи – торжества любви и справедливости. Современники прекрасно поняли это, судя по словам в одной из рецензий: «Проступок, вызванный любовью, никто не может исправить лучше, чем бог любви… И разве добродетельный Орфей – а таким он постоянно предстает перед нами – не заслужил счастливой судьбы?»

Другим положением реформы был отказ от внешних эффектов в пользу драматургической оправданности каждого приема – и опять же, это не требовало от композитора конфликтов с пристрастиями современной ему публики. Зрители любят балетные сцены? Пусть будет балет – но он станет органичной частью действия: так появляется эффектная, но прекрасно вписывающаяся в сюжет пляска фурий (правда, в первой редакции оперы ее всё же не было). Драматургически оправданными оказываются даже те моменты, которые на первый взгляд способны вызывать недоумение – например, яркая до-мажорная увертюра, которая, казалась бы, совсем не соответствует трагическим событиям оперы. Но «Орфей» Глюка (в отличие, например, от «Орфея» ) начинается с «высокой точки»: никаких идиллических сцен – Эвридика уже мертва, ее оплакивают. Скорбная увертюра снизила бы трагический пафос этой сцены, и композитор создает увертюру, оттеняющую ее печаль. Кроме того, характер увертюры соответствует образу героя-победителя, а не страдающего героя. Такую же функцию выполняет мажорная ария («Потерял я Эвридику»), звучащая в самый безнадежный момент, когда Орфей лишается последней надежды – эта ария с ее подчеркнутым спокойствием и мажорным ладом живописует душевное величие героя.

Из предыдущего положения закономерно вытекают другие: отказ от тормозящих действие арий da capo в пользу более свободных форм, сближение мелодизированного речитатива с арией, активное участие хора в действии. Яркий пример этих положений в действии – сцена Орфея с фуриями, в которой хоровое пение перемежается ариями героя, и все эти номера в целом образуют развернутую драматическую сцену.

Премьера оперы состоялась в Вене в октябре 1762 г., она была приурочена к именинам императора. Опера имела успех, в рецензиях отмечалось, что в ней «всё выражено языком нежного страдания без чрезмерной напыщенности». В 1774 г. в Париже опера была поставлена в новой редакции, которая значительно отличалась от венской. Партия Орфея была поручена не альту-кастрату, как прежде, а тенору. Появились балетные сцены – пляска фурий, танцы блаженных теней. Появился и самый известный фрагмент оперы – проникновенное соло флейты, живописующее Элизиум, которое нередко исполняется отдельно под заглавием «Мелодия». Третья редакция «Орфея и Эвридики» появилась через много лет после смерти Глюка – в 1859 г., создал ее . В этой редакции партия Орфея поручена женскому голосу – меццо-сопрано.

Все права защищены. Копирование запрещено

Музыкально-театральное представление в трех действиях; либретто Р. да Кальцабиджи.
Первая постановка: Вена, «Бургтеатр», 5 октября 1762 года; постановка второй редакции (на французском языке), на либретто П.-Л. Молина: Париж, Королевская академия музыки, 2 августа 1774 года.

Действующие лица:

Орфей (1762 - контральто, 1774 - тенор), Эвридика (сопрано), Амур (сопрано), пастухи, нимфы, фурии, адские духи, тени умерших, свита Орфея.

Венская редакция.

Действие первое.

Лавры и кипарисы вокруг гробницы Эвридики. Пастухи и нимфы разбрасывают цветы на могиле и поют («Ah! se intorno a quest"urna funesta»; «Как грустно ветер мирт колышет»), прерываемые жалобами Орфея. Овдовевший поэт просит всех уйти и один оплакивает свою утрату («Сегсо il mio ben cosi»; «Где ты, любовь моя?»). Бросая гневный упрек небесам, он решает сойти в преисподнюю, чтобы отыскать свою жену («Numi! barbari numi»; «О, царство мрачное теней!»). Появляется Амур, возвещающий волю Зевса: Орфею позволено сойти живым в Аид. Если ему удастся усмирить своим пением фурий, чудищ и саму смерть, то он может вывести Эвридику из царства мертвых, но при одном условии: он не должен смотреть на нее. Амур шутливо предостерегает Орфея, чтобы он не слишком выказывал свои чувства («Gli sguardi trattieni»; «Под маской молчанья»).

Действие второе.

Мрачная пещера на берегу Коцита. Фурии и демоны пляшут, стараясь испугать Орфея, который играет на цитре и молит о милости (хор «Chi mai dell"Erebo»; «Чей это дерзкий»). Мало-помалу пение поэта усмиряет фурий и призраков. Орфей продвигается вперед.

Прелестные зеленые рощи, цветущие луга. Это Елисейские поля, где бродит тень супруги Орфея («Che puro ciel! che chiaro sol»; «О, лучезарный, дивный вид»). He глядя на Эвридику, он берет ее за руку и быстро уводит.

Действие третье.

Темное ущелье, образующее запутанный лабиринт. Орфей ведет Эвридику. Ее первоначальная радость сменяется все большей тревогой, она спрашивает Орфея, почему он так спешит и даже не смотрит на нее. Эвридика начинает сомневаться в его любви. «Один лишь взгляд»,- просит она мужа и, получив странный ответ («Смотреть на тебя - беда»), оплакивает свою судьбу («Qual vita e questa mai»; «Судьбы сила злая»). Орфей, устав бороться с собой, оборачивается к ней. В тот же миг Эвридика падает замертво. Орфей в отчаянии («Che faro senza Euridice?»; «Потерял я Эвридику»). Ему остается одно: убить себя и навсегда остаться с женой. Но тут появляется Амур, он возвращает Орфею Эвридику.

В великолепном храме Амура Орфей и Эвридика в окружении пастухов и пастушек празднуют свое возвращение к жизни.

Г. Маркези (в переводе Е. Гречаной)

ОРФЕЙ и Эвридика (Orphee et Euriydice) - опера-трагедия К. В. Глюка в 3 д., итальянское либретто Р. де Кальцабиджи, французский перевод П. Л. Молина. Премьера 1-й редакции (на итальянском языке): Вена, 5 октября 1762 г., под управлением автора. Историческое значение имела постановка оперы в Париже, в Королевской академии музыки (на французском языке), 2 августа 1774 г. в новой редакции, в которой партия Орфея, первоначально написанная для альта, передана тенору. Композитор внес ряд существенных изменений в партитуру. В финале хор заменен большим балетом.

Парижская постановка вызвала яростные споры, разделив зрителей на два враждующих лагеря. Сторонники французской школы видели в «Орфее» продолжение и развитие традиций Люлли и Рамо, поклонники итальянской оперы-сериа усмотрели нарушение правил и традиций, выдвинув в противовес Глюку Пиччинни. Яростный спор глюкистов и пиччиннистов получил отражение в обширной литературе того времени. Первоначально лагерь пиччиннистов был сильным: в нем оказались выдающиеся представители просветительства - Мармонтель, Лагарп, д’Аламбер и др. Вольтер тоже отнесся к Глюку без симпатии. Однако торжество пиччиннистов было временным. Дело заключалось не только в несоизмеримости талантов обоих противников. Пиччинни, пленивший «слух диких парижан» (Пушкин), был композитором яркого и сильного дарования, но тесно связанным с прошлым. Глюк, напротив, прокладывал путь в будущее, стремился к правде выражения страстей и чувств, нарушал обветшалые традиции оперы-сериа и музыкальной трагедии. Его реформа осуществлялась не в одном «Орфее», но и в «Альцесте», «Парисе и Елене», «Ифигении в Авлиде» и «Ифигении в Тавриде». Величие и благородство, строгость музыки, с необычайной, хоть и сдержанной силой передающей настроения горя, отчаяния, страдания, радости, блаженства, явились высшим завоеванием музыкального искусства, определившим новые задачи исполнителей.

Сюжет оперы основан на древнегреческом мифе о певце и поэте Орфее, потерявшем страстно любимую жену Эвридику, которая умерла от укуса змеи. В «Метаморфозах» Овидия дана высокопоэтическая интерпретация этой легенды, ставшей излюбленной темой произведений многих композиторов. Помимо драматизма судьбы Орфей привлекал еще тем, что сам был музыкантом. Миф о нем раскрывает величие искусства и прежде всего человека, силой любви побеждающего смерть.

Опера Глюка, при всей гениальности музыки, свидетельствовала о том, что композитор вынужден был считаться с властью традиции. Подобно своим предшественникам, он дает противоречащий мифу счастливый финал: божество любви Амур возвращает Эвридику к жизни. Финальный балет, отмеченный чертами рококо, находится в противоречии с драматургией. Однако не эти уступки духу времени определяют качество произведения. До Глюка в XVIII в. никто с такой правдой не выразил страданий и горя человека и вместе с тем всепокоряющей стихии любви, побеждающей суровых богов. Ария Орфея «Потерял я Эвридику», его плач над гробом, хоры-стенания I д., сцена с фуриями остаются непревзойденными образцами музыкального классицизма.

К этому произведению обращались в XIX в. крупнейшие композиторы и исполнители. В 1859 г. новую редакцию создал Г. Берлиоз, а партию Орфея исполнила П. Виардо. В России опера Глюка была известна уже в XVIII в. (премьера - 10 мая 1780 г. в Петербурге, силами итальянской придворной труппы под управлением Дж. Паизиелло), неоднократно исполнялась и в XIX. На русском языке она была впервые показана в Петербурге на сцене Михайловского театра учащимися консерватории 18 мая 1867 г. В 1868 г. «Орфей» был поставлен в Мариинском театре под управлением Э. Направника с участием Н. Ирецкой, Ю. Платоновой, Е. Лавровской, чье исполнение восхитило Г. Берлиоза. Значительнейшей постановкой оперы Глюка в России явился спектакль Мариинского театра 1911 г. (премьера - 21 декабря, дирижер Э. Купер, режиссер В. Мейерхольд, балетмейстер М. Фокин, художник А. Головин). Партию Орфея исполнял Л. Собинов, Эвридики - М. Кузнецова-Бенуа. Этот спектакль по органическому единству всех его элементов, по проникновенной интерпретации центральной роли следует признать историческим. После Октябрьской революции «Орфей» исполнялся многократно на концертной эстраде с И. Козловским и М. Максаковой в главных партиях.

Выдающаяся постановка была осуществлена Э. Жак-Далькрозом в 1912 г. в Хеллерау, близ Дрездена (Э. Лейснер - Орфей). Наиболее интересные спектакли последних десятилетий: Париж, театр «Гранд-опера», 1973 г. (режиссер Р. Клер, балетмейстер Дж. Баланчин; Н. Гедда - Орфей), Берлин, театр «Комише опер», 1988 г. (режиссер Г. Купфер; И. Ковальски - Орфей).

На сюжет «Орфея» создано свыше 50 опер. Среди них «Эвридика» Дж. Пери, Дж. Каччини, «Орфей» К. Монтеверди, оперная дилогия «Орфей» Р. Кайзера, «Орфей и Эвридика» Дж. Царлино, И. И. Фукса и др. После Глюка были созданы оперы И. Г. Наумана, И. Гайдна (впервые исполненная лишь в XX в.) и др. Из музыкальных воплощений темы Орфея в XVII-XVIII вв. непреходящее художественное значение, наряду с операми Монтеверди и Глюка, сохранила мелодрама Е. Фомина «Орфей» (1792); в XX в. были созданы камерная опера А. Казеллы «Сказание об Орфее», опера Э. Кшенека «Орфей», «опера-минутка» Д. Мийо «Несчастья Орфея», балет И. Стравинского «Орфей» и др.

Глюк. Опера «Орфей и Эвридика»

История создания:

Орфей - с амая знаменитая из опер К. В. Глюка. Античный сюжет о преданной любви Орфея и Эвридики - один из самых распространенных в опере. До Глюка он был использован в произведениях Пери, Каччини, Монтеверди, Ланди и ряда второстепенных авторов. Глюк трактовал и воплотил его по-новом у. Реформа Глюка, впервые осуществленная в "Орфее", была подготовлена многолетним опытом творчества, работы в крупнейших европейских театрах; богатое, гибкое мастерство, совершенствовавшееся десятилетиями, он смог поставить на службу своей идее создания возвышенной трагедии.

Горячего единомышленника композитор нашел в лице поэта Раньеро Кальзабиджи (1714-1795). Из многочисленных вариантов легенды об Орфее либреттист выбрал тот, что изложен в "Георгиках" Вергилия. В нем античные герои предстают в величавой и трогательной простоте, наделенные чувствами, доступными обычному смертному. В этом выборе сказался протест против ложного пафоса, риторики и вычурности феодально-дворянского искусства.

В первой редакции оперы, показанной 5 октября 1762 года в Вене, Глюк еще не вполне освободился от традиций парадных представлений - партия Орфея поручена альту-кастрат у, введена декоративная роль Амура; концовка оперы, вопреки мифу, оказалась счастливой. Вторая редакция , показанная в Париже 2 августа 1774 года, значительно отличалась от первой. Текст был заново написан де Молиной. Выразительнее, естественнее стала партия Орфея; она была расширена и передана тенору. Сцена в аду заканчивалась музыкой финала из балета "Дон Жуан"; в музыку "блаженных теней" введено знаменитое соло флейты, известное в концертной практике как "Мелодия" Глюка.

В 1859 году опера Глюка была возобновлена Берлиозом. В роли Орфея выступила Полина Виардо. С этих пор существует традиция исполнения заглавной партии певицей.

Особенности драматургии:

"Орфей" справедливо считается шедевром музыкально-драматического гения Глюка. В этой опере впервые столь органично музыка подчинена драматическому развитию . Речитативы, арии, пантомимы, хоры, танцы полностью раскрывают свой смысл в связи с действием, разворачивающимся на сцене, и, сочетаясь, придают всему произведению поразительную стройность и стилистическое единство. Увертюра оперы музыкально не связана с действием(поэтому исполняется не всегда); согласно существовавшей традиции, она выдержана в живом движении, жизнерадостном характере.

    Сюжет, особенности либретто .

«Вечная» тема древнегреческого мифа об Орфее привлекла Глюка и его либреттиста Раньери Кальцабиджи глубоким идейным смыслом :

    мыслью о волшебной силе искусства;

    идеей беззаветной верности;

    идеей столкновения человека с судьбой.

В отличие от многих либреттистов, слишком свободно обращавшихся с древними мифами (включение побочные сюжетных линий и новых героев нередко искажало мифологический сюжет до неузнаваемости), Кальцабиджи строго придерживался основной линии предания об Орфее, не загромождая его никакими побочными эпизодами . Единственное отступление от мифа связано с развязкой: вместо гибели главных героев опера завершается счастливым финалом. Действующих лиц всего трое – Орфей, Эвридика, Амур (Эрос).

2) Особенности структуры оперы:

В «Орфее» Глюк принципиально отказался от традиционного номерного строения итальянской оперы-seria, от чередования речитативов с развернутыми и внутренне замкнутыми виртуозными ариями «концертного» стиля. Три действия его оперы состоят из сцен . Это крупные построения, в которых небольшие ариозо, речитативы, танцевальные пантомимы, хоровые и оркестровые эпизоды естественно сменяют друг друга, создавая впечатление непрерывного жизненного процесса . Композитор стремится подчеркнуть внутреннее единство этих сцен, используя репризные повторения музыкальных тем, интонационные и тональные связи.

Сами действия расположены симметрично: 1 и 3 разворачиваются в мире живых людей, 2-е, центральное, действие происходит в царстве мертвых.

Пер­вое действие состоит из 4-х сцен.

1-я сцена – траурная: несчастье уже свершилось, Орфей и его друзья (пастухи и пастушки) оплакивают Эвридику. Вся сцена, начинающаяся шествием хора при открытом занавесе, напоминает величественный хоровой пролог в античной трагедии. Именно хор выражает настроение Орфея, сопереживает ему в горе («как мы плачем, другу вторя…» ). Ясный гомофонный склад, аккордовое изложение, медленный темп, минорный лад, опора на интонации вздоха – все эти характерные признаки lamento направляют внимание слушателя на господствующий в опере образ мольбы и скорби. Мерная поступь басов оркестра воссоздает ритм погребаль­ного шествия.

В музыку хора трижды включается горестное восклицание Орфея: «Эвридика!» Композитор нашел для него удивительно простую и естественную интонацию нисходящей октавы, пол­ностью лишенную какой-либо ложной патетики.

Подобно рефрену в форме рондо, музыка хора повторяется трижды, объединяя всю сцену. Роль эпизодов выполняют горестные речитативы Орфея, умоляющего спутников оставить его одного, а также балетная пантомима – возложение венков на гробницу Эвридики. Хореографический эпизод, таким образом, не только украшает действие, но и деятельно в нем участвует. Его музыка носит пасторально-просветленный характер.

2-я сцена – «сцена с эхом». Оставшись один, Орфей неутешно рыдает. Тщетно умоляет он Эвридику вер­нуться: ему отвечает только эхо. После порывов отчаяния Орфей настойчиво пытается овладеть собой. Борьба противоречивых чувств выразительно передана в чередовании речитативных и ариозных разделов, которые вновь образуют рондообразную композицию:

ариозо речитатив ариозо речитатив ариозо

В ариозных разделах трижды проводится одна и та же лирическая кантилена в пасторальной тональности F-dur («Где ты, любовь моя» ). Светло-элегической мелодии ариозо контрастно противопоставлены драматические минорные речитативы, подчеркнутые печальным тембром гобоя (имитация эха). Третий, самый патетический, речитатив содержит завязку драмы: в душе Орфея рождается решимость любой ценой вернуть к жизни свою любимую.

В момент кульминации внезапно появляется Амур – 3-я сцена . Обещая Орфею поддержку всемогущих богов Олимпа, он сообщает ему роковое условие: Орфей не должен смотреть на Эвридику, пока они не покинут царство мертвых; иначе Эври­дика навсегда останется во власти смерти. Эта сцена носит «вставной» характер, она наименее интересна с драматургической точки зрения.

4-я сцена – большой аккомпанированный речитатив Орфея: исполнен­ный решимости преодолеть все испытания, он готов следовать воле Зевса. Таким образом, в I действии содержится драматургическое развитие от состояния душевной подавленности к мужественной готовно­сти бросить вызов судьбе.

Оркестровое вступление ко второму действию передает зловещую атмосферу, в которой будет разворачиваться его 1 сцена. Она происходит на берегах реки смерти Стикс, в преддверии Аида, куда в поисках Эвридики попадает бесстрашный Орфей. Ему преграждают путь безжалостные фурии.

Сцена Орфея с фуриями – самая интересная, новаторская во всей опере – строится на чередовании хорового и сольного пения. Это диалог грозных, неумолимых возгласов демонов и фурий с трогательными жалобами Орфея, все более сближающийся «в пространстве». Противопоставление двух ярко контрастных сфер олицетворяет конфликт «человека и рока». Каждая линия – человеческая и роковая – имеет свое внутреннее единство.

Партия Орфея выдержана в духе lamento. На этот раз она не содержит каких-либо повторений: каждое из трех его ариозо – это новая ступень в развитии единого образа. Его мольбы звучат все более настойчиво, взволнованно, порывисто, то есть разрастаются в своей силе. Масштабы же их, наоборот, сжимаются. Ускоряется темп, мелодическая линия все более насыщается секундовыми интонациями вздоха, учащается ритмическое сопровождение, более частой становится смена гармонии, мелодические фразы – более короткими.

Для характеристики фурий Глюк также использует вполне сложившиеся, традиционные приемы, принятые для сцен заклинаний, загробных явлений: суровость общего колорита, мощные хоровые унисоны на фоне зловещего тремоло струнных, ровное движение, простые «чеканные» ритмы, острые гармонии (ум.VII7), мрачные оркестровые краски. Все это символизи­руют непреклонную решимость, с которой обитатели Аида противостоят любой попытке смертного про­никнуть в их царство.

Еще более устрашающе звучит второе проведение хора: аккордовую ткань проре­зают воющие глиссандо струнных, они изображают злобный лай подземного стража – чудовищного трехглавого пса Цербера. Сурово-величавую музыку хоров разделяет неистовая пляска фурий с вне­запными акцентами и стремительными оркестро­выми пассажами. Однако фурии не могут долго проти­востоять волшебной силе искусства Орфея; они постепенно проникаются сочувствием к его судьбе. Чем настойчивее звучат мольбы Орфея, тем более мягким, умиротворенным становится пение хора, оно словно «очеловечивается».

Таким образом, обе линии развиваются по-разному: партия Орфея – как восходящая, побеждающая, партия духов – как нисходящая, постепенно уступающая в борьбе. По-существу, Глюк использовал новый, подлинно симфонический прием развития – постепенную трансформацию первоначальных образов, в процессе которой происходит их сближение.

Первую картину завершает грандиозная пляска фурий. Этот развернутый танцевально-сим­фонический эпизод был полностью перенесен компо­зитором в парижскую редакцию оперы из балета «Дон-Жуан».

Наконец фурии исчезают, открывается чарующий пейзаж Элизиума – обители безгреш­ных блаженных душ, где происходят следующие три сцены 2-го действия (cо 2й по 4ю). В них господствуют образы неземного покоя и умиротворения. Дикие пляски фурий уступают место плавному хороводному движению райских теней. Из трех балетных номеров выделяется средний, идущий под аккомпанемент знаменитого соло флейты. Он приобрел широкую известность в многочисленных обработках для разных инструментов под названием «Мелодия» Глюка.

Третье действие оперы также делится на два контрастных раздела. В первом разворачивается психологический конфликт в душе Орфея, связанный с борьбой между любовью и нравственным долгом (принятым обетом). Эвридика не может понять причину его мнимой холодности. Их диалог отмечен неуклонным ростом напряжения.

Далее все внимание переключается на Эвридику. Ее речитатив и ария (единственная во всей опере) своим страстным порывом и волнением предвосхищают бурные образы ранних сонат Бетховена. Сольная сцена стремительно приближается к роковой развязке: презрев запрет, Орфей оборачивается и … снова теряет любимую. Он готов умереть, чтобы навек остаться с Эвридикой в царстве мертвых. Глубокая нежность и любовь Орфея находят воплощение в музыке его знаменитой арии –«Потерял свое я счастье» . Мелодия арии многими образными и интонационными нитями связана с начальными сценами оперы (в частности, интонация соль-до-до-си явно напоминает о первом хоре пастухов и пастушек, а форма арии – рондо – сближает ее со второй, сольной сценой I действия).

Второй, заключительный раздел 3-го действия представляет собой праздничный эпилог в храме Амура, который вновь оживляет Эвридику, вознаграждая Орфея за его безграничную верность. Лирическим центром этой сцены, следующей традициям придворного спектакля, является трио главных героев (последний выход «под занавес»).

Лекции по музыкальной литературе : Глюк

Премьера оперы прошла под управлением автора 5 октября 1762 года в венском городском театре. Первая реакция слушателей была сдержанной: композитора упрекали в том, что «страсти выражены недостаточно сильно». Позднее (в 1774 году) Глюк значительно переработал партитуру «Орфея» для его постановки в Париже .

Отличия парижской редакции :

  • партия Орфея понижена в тесситуре для тенора (в итальянском варианте она была предназначена для альта-кастрата);
  • это привело к существенной перестройке тонального плана;
  • значительно переработаны речитативные диалоги;
  • заметно обогащена инструментовка;
  • в соответствии с традициями французской оперы включено большое количество балетных номеров.

Сюжет, особенности либретто

Древнегреческий миф об Орфее является одним из старейших оперных сюжетов . Эта «вечная» тема привлекла Глюка и его либреттиста Раньери Кальцабиджи глубоким идейным смыслом:

  • мыслью о волшебной силе искусства;
  • идеей беззаветной верности;
  • идеей столкновения человека с судьбой.

В отличие от многих либреттистов, слишком свободно обращавшихся с древними мифами (включение побочные сюжетных линий и новых героев нередко искажало мифологический сюжет до неузнаваемости), Кальцабиджи строго придерживался основной линии предания об Орфее, не загромождая его никакими побочными эпизодами. Единственное отступление от мифа связано с развязкой: вместо гибели главных героев опера завершается счастливым финалом. Действующих лиц всего трое - Орфей, Эвридика, Амур (Эрос).

Особенности структуры

В «Орфее» Глюк принципиально отказался от традиционного номерного строения итальянской оперы-seria, от чередования речитативов с развернутыми и внутренне замкнутыми виртуозными ариями «концертного» стиля. Три действия его оперы состоят из сцен . Это крупные построения, в которых небольшие ариозо, речитативы, танцевальные пантомимы, хоровые и оркестровые эпизоды естественно сменяют друг друга, создавая впечатление непрерывного жизненного процесса. Композитор стремится подчеркнуть внутреннее единство этих сцен, используя репризные повторения музыкальных тем, интонационные и тональные связи.

Сами действия расположены симметрично: 1 и 3 разворачиваются в мире живых людей, 2-е, центральное, действие происходит в царстве мертвых.

1 действие

Первое действие состоит из 4-х сцен.

1-я сцена - траурная: несчастье уже свершилось, Орфей и его друзья (пастухи и пастушки) оплакивают Эвридику. Вся сцена, начинающаяся шествием хора при открытом занавесе, напоминает величественный хоровой пролог в античной трагедии. Именно хор выражает настроение Орфея, сопереживает ему в горе («как мы плачем, другу вторя…» ). Ясный гомофонный склад, аккордовое изложение, медленный темп, минорный лад, опора на интонации вздоха - все эти характерные признаки lamento направляют внимание слушателя на господствующий в опере образ мольбы и скорби. Мерная поступь басов оркестра воссоздает ритм погребаль-ного шествия.

В музыку хора трижды включается горестное восклицание Орфея: «Эвридика!» Композитор нашел для него удивительно простую и естественную интонацию нисходящей октавы, пол-ностью лишенную какой-либо ложной патетики.

Подобно рефрену в форме рондо, музыка хора повторяется трижды, объединяя всю сцену. Роль эпизодов выполняют горестные речитативы Орфея, умоляющего спутников оставить его одного, а также балетная пантомима - возложение венков на гробницу Эвридики. Хореографический эпизод, таким образом, не только украшает действие, но и деятельно в нем участвует. Его музыка носит пасторально-просветленный характер.

2-я сцена - «сцена с эхом». Оставшись один, Орфей неутешно рыдает. Тщетно умоляет он Эвридику вер-нуться: ему отвечает только эхо. После порывов отчаяния Орфей настойчиво пытается овладеть собой. Борьба противоречивых чувств выразительно передана в чередовании речитативных и ариозных разделов, которые вновь образуют рондообразную композицию:

ариозо речитатив ариозо речитатив ариозо

В ариозных разделах трижды проводится одна и та же лирическая кантилена в пасторальной тональности F-dur («Где ты, любовь моя» ). Светло-элегической мелодии ариозо контрастно противопоставлены драматические минорные речитативы, подчеркнутые печальным тембром гобоя (имитация эха). Третий, самый патетический, речитатив содержит завязку драмы: в душе Орфея рождается решимость любой ценой вернуть к жизни свою любимую.

В момент кульминации внезапно появляется Амур - 3-я сцена . Обещая Орфею поддержку всемогущих богов Олимпа, он сообщает ему роковое условие: Орфей не должен смотреть на Эвридику, пока они не покинут царство мертвых; иначе Эври-дика навсегда останется во власти смерти. Эта сцена носит «вставной» характер, она наименее интересна с драматургической точки зрения.

4-я сцена - большой аккомпанированный речитатив Орфея: исполнен-ный решимости преодолеть все испытания, он готов следовать воле Зевса. Таким образом, в I действии содержится драматургическое развитие от состояния душевной подавленности к мужественной готовно-сти бросить вызов судьбе.

2 действие

Оркестровое вступление ковторому действию передает зловещую атмосферу, в которой будет разворачиваться его 1 сцена. Она происходит на берегах реки смерти Стикс, в преддверии Аида, куда в поисках Эвридики попадает бесстрашный Орфей. Ему преграждают путь безжалостные фурии.

Сцена Орфея с фуриями - самая интересная, новаторская во всей опере - строится на чередовании хорового и сольного пения. Это диалог грозных, неумолимых возгласов демонов и фурий с трогательными жалобами Орфея, все более сближающийся «в пространстве». Противопоставление двух ярко контрастных сфер олицетворяет конфликт «человека и рока». Каждая линия - человеческая и роковая - имеет свое внутреннее единство.

Партия Орфея выдержана в духе lamento. На этот раз она не содержит каких-либо повторений: каждое из трех его ариозо - это новая ступень в развитии единого образа. Его мольбы звучат все более настойчиво, взволнованно, порывисто, то есть разрастаются в своей силе. Масштабы же их, наоборот, сжимаются. Ускоряется темп, мелодическая линия все более насыщается секундовыми интонациями вздоха, учащается ритмическое сопровождение, более частой становится смена гармонии, мелодические фразы - более короткими.

Для характеристики фурий Глюк также использует вполне сложившиеся, традиционные приемы, принятые для сцен заклинаний, загробных явлений: суровость общего колорита, мощные хоровые унисоны на фоне зловещего тремоло струнных, ровное движение, простые «чеканные» ритмы, острые гармонии (ум.VII7), мрачные оркестровые краски. Все это символизи-руют непреклонную решимость, с которой обитатели Аида противостоят любой попытке смертного про-никнуть в их царство.

Еще более устрашающе звучит второе проведение хора: аккордовую ткань проре-зают воющие глиссандо струнных, они изображают злобный лай подземного стража - чудовищного трехглавого пса Цербера. Сурово-величавую музыку хоров разделяет неистовая пляска фурий с вне-запными акцентами и стремительными оркестро-выми пассажами. Однако фурии не могут долго проти-востоять волшебной силе искусства Орфея; они постепенно проникаются сочувствием к его судьбе. Чем настойчивее звучат мольбы Орфея, тем более мягким, умиротворенным становится пение хора, оно словно «очеловечивается».

Таким образом, обе линии развиваются по-разному: партия Орфея - как восходящая, побеждающая, партия духов - как нисходящая, постепенно уступающая в борьбе. По-существу, Глюк использовал новый, подлинно симфонический прием развития - постепенную трансформацию первоначальных образов, в процессе которой происходит их сближение.

Первую картину завершает грандиозная пляска фурий. Этот развернутый танцевально-сим-фонический эпизод был полностью перенесен компо-зитором в парижскую редакцию оперы из балета «Дон-Жуан».

Наконец фурии исчезают, открывается чарующий пейзаж Элизиума - обители безгреш-ных блаженных душ, где происходят следующие три сцены 2-го действия (cо 2й по 4ю). В них господствуют образы неземного покоя и умиротворения. Дикие пляски фурий уступают место плавному хороводному движению райских теней. Из трех балетных номеров выделяется средний, идущий под аккомпанемент знаменитого соло флейты. Он приобрел широкую известность в многочисленных обработках для разных инструментов под названием «Мелодия» Глюка.

3 действие

Третье действие оперы также делится на два контрастных раздела. В первом разворачивается психологический конфликт в душе Орфея, связанный с борьбой между любовью и нравственным долгом (принятым обетом). Эвридика не может понять причину его мнимой холодности. Их диалог отмечен неуклонным ростом напряжения.

Далее все внимание переключается на Эвридику. Ее речитатив и ария (единственная во всей опере) своим страстным порывом и волнением предвосхищают бурные образы ранних сонат Бетховена . Сольная сцена стремительно приближается к роковой развязке: презрев запрет, Орфей оборачивается и … снова теряет любимую. Он готов умереть, чтобы навек остаться с Эвридикой в царстве мертвых. Глубокая нежность и любовь Орфея находят воплощение в музыке его знаменитой арии - «Потерял свое я счастье» . Мелодия арии многими образными и интонационными нитями связана с начальными сценами оперы (в частности, интонация соль-до-до-си явно напоминает о первом хоре пастухов и пастушек, а форма арии - рондо - сближает ее со второй, сольной сценой I действия).

Второй, заключительный раздел 3-го действия представляет собой праздничный эпилог в храме Амура, который вновь оживляет Эвридику, вознаграждая Орфея за его безграничную верность. Лирическим центром этой сцены, следующей традициям придворного спектакля, является трио главных героев (последний выход «под занавес»).

Парижская редакция «Орфея» легла в основу «смешанной» редакции . Партия Орфея, предназначенная для известной французской певицы Полины Виардо, была транспонирована в первоначальную контральтовую тесситуру.

Оперы Я. Пери, Дж. Каччини, К. Монтеверди, Р. Кайзера, И.К. Баха, Й. Гайдна, кантаты Дж.К. Перголези и Г. Берлиоза, мелодрама Е. Фомина, балет И. Стравинского, оперетта Ж. Оффенбаха, рок-опера А. Журбина.

В контрастной середине арии воплощены светлые воспоминания Эвридики.

В парижской постановке творение Глюка заканчивается аллегорическим балетом «Триумф любви» в традициях большой французской оперы.